jueves 19 de noviembre de 2009

HOME ¿DULCE HOGAR? 7'5 / 10

No es lo mismo 'home' que 'house', o al menos así nos lo indican las connotaciones de los términos. 'House' es un espacio físico, palpable, perfectamente delimitado, variado. 'Home', paralelamente, se relaciona con la sensación de hogar, seguridad, comodidad y bienestar; aporta paz, representa el espacio donde convivir con los demás y con nosotros mismos. Hay una comunión entre las palabras: 'house' es el continente y 'home' podría ser el contenido. Los dos, por lo tanto, parecen términos que van unidos: donde hay una casa, hay una familia, una historia, un misterio. La película de Ursula Meier fabula sobre la relación entre 'casa' y 'hogar', preguntándose qué es qué, si un concepto puede existir sin su pareja. La dicotomía se amplía con nuevas posibilidades y lecturas: ¿vivimos demasiado atados a lo material?, ¿el ritmo actual no está matando nuestra esencia, incluyendo sus campos y demás naturaleza? Para proponer todos estos interrogantes, Meier recurre a una familia que habita sin nadie y casi sin nada cerca de una carretera abandonada. El verano azota y la carretera vuelve a abrirse para facilitar el tráfico en un verano repleto de atascos, ruidos y caos. El hogar de la película no es dulce: asistimos a la desintegración de una familia vital, olvidada por las autoridades, unos nómadas que resisten encerrados en un microcosmos que empieza a tambalearse. Meier deja claro que el humano es el culpable de todas las fronteras y barreras existentes: así lo demuestra la imponente carretera de dos sentidos, una franja negra que dificulta acciones tan cotidianas como jugar o ir a la escuela o al trabajo. Todo está lejos porque queremos; las distancias, en realidad, no existen. Ya no gozamos de intimidad ni en nuestros hogares. Sin duda, algo va mal.


El cinéfilo recordará irremediablemente títulos como La influencia, El séptimo continente o Las manos vacías, films que versan sobre la mezquindad y la alienación, la soledad y la tristeza, la muerte y las monstruosas formas de una rutina que no cuestionamos pero que nos agobia. También estamos ante un film que dinamita la idílica estampa rural de ciertas zonas de Francia y Suiza, algo que nos invita a considerar las barbaridades que suceden en nuestro alrededor sin que nosotros seamos conscientes. En todo caso, Home ¿dulce hogar? remite a un cine crítico, político, de alma europea, de pocos diálogos y buenas interpretaciones. La cinta convierte en tema principal lo que en otros relatos no dejaría de ser una anécdota. Al riesgo de contar algo aparentemente insignificante, se le añade una mezcla importante de tonos: la jovialidad de los niños y sus juegos o las divertidas estrategias que urde el matrimonio para seguir con su día a día. Finalmente, Home ¿dulce hogar? habla sobre el sueño de ser normal en una sociedad llena de impostura, de falso bienestar, carcomida y loca. Comedia, drama y terror en un escenario demasiado familiar. Está muy lejos de ser una obra fuerte, pero, como ocurre con sus protagonistas, la película resiste. Siempre es un placer ver los rostros, aquí danzando entre la risa y el llanto, de Gourmet y Huppert. Aunque lo tiene muy difícil, le deseamos mucha suerte en su lucha por el Oscar (es la candidata de Suiza). Ojalá Home ¿dulce hogar? encuentre su espacio, su residencia definitiva, en la salas españolas. Tarea difícil. Otro sueño. Enésimo espejismo.

miércoles 18 de noviembre de 2009

CARTA A ÁLEX DE LA IGLESIA

Querido Álex:

Cada día nos sorprendes con un nuevo truco. El año pasado, tu película fue el título patrio más taquillero, aunque realmente no se trataba ni de una película española ni de una buena película. Quieres salvar el cine español de los números rojos y lo consigues. Ahora quieres salvar la gala de los Goya, y, para qué negarlo, estando tú como presidente, el bodorrio interminable tiene su morbillo. Esperamos un discurso a lo Muchachada Nui, algo ligero y contundente que disperse los monólogos sobre homínidos de González Sinde. Sabes que tú eres el protagonista, sabes que eres el cineasta con más huevos del planeta por aceptar la dirección de una Academia sin veleta. Puede que no sea valentía, sino inconsciencia. Y puede que lo que hagas no sea cine, sino mera publicidad. Solo a tí se te podría ocurrir abrir una encuesta en internet y proponer a Pocoyo, Ponyo o algún Pokemon en horas bajas como presentador de los Goya. Cachondeo, morro, descaro... e inteligencia. Puede que con este sistema hagas feliz al españolito medio, ese que no ha visto ninguna película española y al que no le importa el palmarés de tus cabezones. El cinéfilo, pese a todo, siente vergüenza ajena al ver el circo que has montado: véase la elección de Buenafuente como presentador, egocentrismo a granel, y su presentación en público simulando un secuestro (para que no digan que los Goya carecen de efectos especiales). Tú rompes con la imagen del académico idílico: sustituyes la oficina por el bar, lo serio por lo intrascendente. Te animamos a seguir tu andadura cinematográfica, esa que está plagada de bodrios adorables (Acción Mutante, El día de la bestia, la serie televisiva de cuyo nombre no quiero acordarme) y obras maestras tronchantes (películas ferpectas, La comunidad a la cabeza). Cojas o no el consejo, disfruta del que está siendo tu año por excelencia. En el Festival de Málaga alabaste y premiaste Tres dies amb la familia, quién lo diría. Esperamos que, tras la broma, las nominaciones sean justas. Sea como sea, que gane el cine español (tema que, digas lo que digas, no admite chistes). Con afecto,

Cinoscar & Rarities

martes 17 de noviembre de 2009

COCO AVANT CHANEL 3 / 10

Coco tiene un problema, al menos la Coco - Gabrielle que Anne Fontaine quiere retratar. Por un lado, el personaje se debate entre el icono que es y la mujer que, intuímos, nos quieren dibujar. Por otro lado, la película apuesta por el romance folletinesco, estrategia que nos aleja de la esencia del personaje. Poco claro podemos sacar de una película que se vale del mito para crear una historieta demasiado rosa. La incoherencia se perpetua: Audrey Tatou, asociada a otro tipo de registros, no encaja con la que intenta ser una mujer ruda, díscola y tozuda. Amor y seriedad, biopic y melodrama, se agolpan sin personalidad ni suerte, por muy exquisitos que sean sus vestidos, decorados y demás adornos. Como hubiera querido la verdadera Chanel, la película evita complicaciones y barroquismos. El problema es otro: lo que distinge lo sencillo de lo vanal, aquí mal calibrado. Coco avant Chanel, por desgracia, es las dos cosas. Al menos nos hemos librado de lapidarias y truculentas existencias al estilo La vida en rosa.



La falta de decisión lleva a Fontaine a armar un relato tan intenso y fuerte como una gelatina de diseño. No se entiende el por qué de su inicio (el viaje de la pequeña Gabrielle a un orfanato) si el conjunto vira por otros derroteros. Tampoco entendemos el afán del film por retratar la vida de Chanel como cabaretera. Hay contados planos generales en Coco avant Chanel y los pocos que atesora son momentos falsos, bucólicos, tratando a la dama cual Madame Bovary en estado de incomprensible fogosidad. No hay equilibrio y Tatou presenta dos tipos de expresiones: el de enfadada borde y el de tonta risueña. O mucha tela, o sencillos taparabos: menudo chiste. El plano final, el mejor momento del show, nos devuelve la Coco de siempre. En el último plano, la Coco verdadera se independiza de la Coco de Fontaine y nos obsequia un desfile de gran fuerza visual. Este es el innoble modo que tiene el film de ganarse a aquellos ingenuos que esperaban un film sobre moda. Poco debate nos queda tras leer las notas históricas del final, tan sabidas como gratuitas. Una forma de manipular la realidad y adulterar la ficción. Un despropósito total.

domingo 15 de noviembre de 2009

LA PELÍCULA DE LA DÉCADA XXVIII: SEMIFINAL 4

¡OLVÍDATE DE MÍ!, de Michel Gondry
Dijeron de ella: Hermosa historia de amor, humor y, sobre todo, desamor.
Comentario personal: Carrey desmemoriado y Winslet en estado de gracia. Comedia adorable, aunque un tanto sobrevalorada.
Film.: 7'7
Imdb: 8'5
Nota personal: 7'5










21 GRAMOS, de Alejandro González-Iñárritu
Dijeron de ella: Es cine grande, tenso, violento, sobrecogedor, del que corta el aliento y lo mantiene en vilo. Un chorro de actos y de ideas.
Comentario personal: Triángulo trágico muy querido entre los bloggeros. Excelente, aunque ligeramente inferior respectó Amores Perros y Babel.
Film.: 7'6
Imdb: 7'9
Nota personal: 7









EL BOSQUE, de M. Night Shyamalan
Dijeron de ella: Una ametralladora de metáforas, un mapa de los miedos del hombre. Inteligencia maquillada de intriga.
Comentario personal: Sin riesgo a equivocarme, una de las obras maestras más infravaloradas de la década. Obra post 11-S. Grande, grande, grande. Excelente Dallas Howard.
Film.: 5'8
Imdb: 6'6
Nota personal: 10









EL TIEMPO DEL LOBO, de Michael Haneke
Dijeron de ella: Un oscuro apocalipsis interior, electricidad anímica que llena la pantalla.
Comentario personal: La obra menos conocida de Haneke es una película hermanada con el desasosiego, el miedo y el enigma. Entre metáfora y metáfora, una gran película.
Film.: 6'2
Imdb: 6'4
Nota personal: 9'5










KILL BILL VOL. 1, de Quentin Tarantino
Dijeron de ella: La película más violenta jamás estrenada por un gran productora norteamericana. Confirma a Tarantino como el maestro del cine pop.
Comentario personal: Poco más que añadir. Gran combate, pastiche histórico. ¡Que levante la mano quien tenga el silbido de Darryl Hannah como tono en el móbil!
Film.: 7'6
Imdb: 8'2
Nota personal: 10









KILL BILL VOL. 2, de Quentin Tarantino
Dijeron de ella: Te estremecerá la acción, saborearás sus ingeniosos diálogos y reirás a rabiar.
Comentario personal: Un western excelente, broche de oro de nivel a un díptico inolvidable. Ahora llega el momento de saber quién ganará: la segunda o la primer parte.
Film.: 7'6
Imdb: 8
Nota personal: 10










LOS CHICOS DEL CORO, de Cristophe Barratier
Dijeron de ella: Una película clásica para todos los públicos, con protagonistas de todas las edades y con la mezcla exacta de ternura, pasión y búsqueda de la justicia.
Comentario personal: Música sensible y sensiblera. Aunque no es apta para diabéticos, nos gusta. Música clásica que funciona.
Film.: 7'6
Imdb: 7'8
Nota personal: 8








LOST IN TRANSLATION, de Sofia Coppola
Dijeron de ella: Parece banal decir que se agotan los adjetivos al hablar de Lost in Translation pero es la verdad: es punzante y profunda, también divertida e irónica.
Comentario personal: Coppola ganó el Oscar, visitó Tokyo y tocó el cielo. Pausada y emotiva de cabo a rabo. Inolvidable.
Film.: 7'2
Imdb: 7'9
Nota personal: 10







MAR ADENTRO, de Alejandro Amenábar
Dijeron de ella: Todo es magistral en una película que sale del corazón. Javier Bardem está más allá del elogio, pero Belén Rueda y los secundarios también.
Comentario personal: Obra capital dentro de nuestro cine. Un Bardem sobrenatural en una película destinada a ser un clásico.
Film.: 7'4
Imdb: 8'1
Nota personal: 9






MARÍA LLENA ERES DE GRACIA, de Joshua Marston
Dijeron de ella: Cine vivo que late con las emociones de su protagonista, una memorable Catalina Sandino Moreno.
Comentario personal: Se reprochó su narrativa 'norteamericana', pero dicho aspecto es el que define y eleva este cuento triste de sueños y mulas. Su poster, referencia religiosa incluida, es genial.
Film.: 7'1
Imdb: 7'6
Nota personal: 8







MEMORIES OF MURDERS, de Bong Joon-ho
Dijeron de ella: Todo es desconcertante en este sorprendente, vigoroso y a la postre espléndido thriller surcoreano.
Comentario personal: Un thriller interesante. La ví una noche de insomnio. Aún no hemos conciliado el sueño.
Film.: 7'5
Imdb: 8'1
Nota personal: 8









Ya tenemos los resultados de la anterior encuensta. Otra vez, el pase a la final ha sido cosa de 3. La lucha ha terminado con las dos favoritas que, en su GRAFICO DE LA SEMANA, ya figuraban como las mejor situadas. Hablamos de...

- 5º POS.: DONNIE DARKO y MONSTRUOS S.A.: Empatan en quinto lugar con 19 votos. Uno, por ser un nombre de culto; otro, por ser una de las mejores cintas animadas del momento.

- 4º POS.: SMOKING ROOM, que ya funcionó muy bien en la anterior encuesta, se consolida entre los bloggeros con 26 votos. Es increíble pero cierto: es, a juicio de casi todos, la mejor cinta española del 2002.

- 3º POS.: MULHOLLAND DRIVE se queda a las puertas de la final con un bronze muy merecido. 5 votos la han separado del paraíso, aunque muchos de vosotros habéis luchado hasta el final por la obra maestra de David Lynch. No pueden entrar todas...

Y nuestras seleccionadas son:

- 2º POS.: EL VIAJE DE CHIHIRO, con 39 votos. Segundo puesto que se venía intuyendo desde hace tiempo. Dato positivo para El castillo ambulante, que intentará colarse en la final en próximas encuestas. Pero también mal dato porque la separan 13 votos de su rival.

Y, para vosotros, EL MEJOR FILM DEL 2002 es:

1º POS.: ¡EL PIANISTA! con 52 votos. Parece que el musico de Polanski tiene sonata para rato. Es, desde ya, una de las favoritas al premio gordo.

Y para finalizar, EL GRAFICO DE LA SEMANA:


KILL BILL VOL. 1: 8'6
KILL BILL VOL.2: 8'53
LOST IN TRANSLATION: 8'37
MAR ADENTRO: 8'17
¡OLVÍDATE DE MÍ!: 7'9
MEMORIES OF MURDERS: 7'87
LOS CHICOS DEL CORO: 7'8
MARÍA LLENA ERES DE GRACIA: 7'57
21 GRAMOS: 7'5
EL BOSQUE: 7'47
EL TIEMPO DEL LOBO: 7'37

¿A quien quieren más: a papá o a mamá, a Kill Bill 1 o a Kill Bill 2? Hay un empate virtual entre las dos cintas de Tarantino, pero el resto de títulos vienen para dar guerra. ¿Qué ocurrirá? ¿Algún favorito? La semana que viene, más.

sábado 14 de noviembre de 2009

TELEVISIONES QUE (NO) FINANCIAN PELÍCULAS


El fauno de Del Toro presumía de dos pares de ojos, una mirada mágica que entusiasmó a los directivos de Telecinco. Y la cadena privada, que tiene mil ojos cuando se trata de financiar películas, produjo la película y vivió los Oscar conseguidos como un estandarte de la cadena. La política de Telecinco se basa en la repetición: emite, reemite y recuerda las películas de la casa. La cadena de Vasile es capaz de crear expectación, sacar petróleo de pozos ya secos. Es un mago, y sus trucos son tan efectivos como efectistas. Su estrategia de mercado, nada que ver con el arte, se basa en producir poco y machacar al pobre espectador con cortinillas soporíferas. Está claro que la política de TVE, pendiente en abarcar mucho (o sea, nada), no es la rutina ideal, pero la caradura de ciertas cadenas molesta sobremanera. Las películas precisan de organismos que las financien y las televisiones privadas ven como un ataque la cita que les impone destinar parte de su capital a financiar cine español. Otra vez el factor económico y el artístico, lo decente y lo rentable, pelean por imponer su ritmo.

Estamos cansados de ver imágenes promocionales de Agora y Celda 211 en Telecinco. ¿Alguién vió algún anuncio de Camino en TVE? La memoria nos dice que la cadena pública solo presumió de haber producido La soledad cuando la cinta de Rosales ganó el Goya. Seamos realistas: ninguna película producida por Telecinco puede ganar el Goya, básicamente porque la gala de los Premios de la Academia la emite TVE (ahora La Uno). ¿Entienden ahora por qué perdieron El laberinto del fauno y El orfanato, ambas con siete cabezones en el palmarés? Lo mismo le ocurrió a Los crímenes de Oxford y lo mismo le ocurrirá a Agora. Pese a todo, parece que nadie tendrá suficiente valor de usurparle el Goya a un Luis Tosar que, encerrado en la Celda 211, nos enseña su cara más carnívora. Con o sin premio, Telecinco solo se interesa por la rentabilidad de sus productos; por ello, sus cortinitas nos recuerdan el número de espectadores y la primera posición en taquilla de Agora y Celda 211, como si estos datos indicaran que dichas películas son buenas. Menudo circo, qué tedio: Jordi González en La noria hace un pequeño apunte sobre 'lo grande que es Agora' (¡mentiroso!), y Mercedes Milá en su apoteósico Gran Hermano 11 nos recuerda que la web de la cadena sortea una túnica de Agora. No todo es pomposidad: algunas adquisiciones como el díptico sobre el Che de Soderbergh se quedaron a medio gas; otras como El orfanato fueron auténticos hits. La balanza sigue en equilibrio.


No todo el panorama televisivo es negativo. TV3, Televisió de Catalunya, parece la única que se atreve a producir películas a contracorriente, arriesgadas, atractivas (su logo figura en los títulos de crédito de las películas de Rosales, Coll, Aguilar, Recha, Serra o Guerín entre otros). No guardo ninguna simpatía ni con la política ni con la programación de la televisión catalana, pero su generosidad y tacto a la hora de producir y emitir películas es impoluta. Ni qué decir que Cinema 3 y Sala 33, programas con Jaume Figueres y Álex Gorina, superan al encorsetamiento de Versión Española y los pésimos resúmenes de La 2 (lo del Festival de San Sebastián de hace un año, con Gomaespuma y Cándida, daba vergüenza ajena). Gracias a TV3 son posibles los Premios Gaudí, las obras de los nuevos autores de la ESCAC y el rodaje de películas pequeñas que nunca conseguirán gran repercusión. TV3, por ello, es la única que vela por la cultura en mayúsculas. TV3 hace más por España que la propia TVE, un dato revelador que a nadie le interesa recordar (en especial, algún partido político con colmillos). Y lo mejor de todo: TV3 no presume de nada y no tiene números rojos.



Televisión y cine: un embrollo. Las cadenas quieren que las películas sean un emblema de su programación (lo que ha hecho Antena 3 con Mentiras y Gordas y Fuga de cerebros) y nadie se preocupa por producir arte. Las cadenas deberían actuar a modo de coleccionista, preocupadas por tener las mejores historias y no los mejores datos de taquilla. ¿Qué opinan?

viernes 13 de noviembre de 2009

OBRAS A REIVINDICAR: MOTHER OF MINE (2005)

Mother of mine fue la propuesta para los Oscar de Suecia hace unos años, aunque de poco sirvió su mención para potenciar su historia y premios. Curioso, muy curioso que nadie reivindique un melodrama tierno, una vuelta de tuerca a todos los retratos de la Segunda Guerra Mundial vistos hasta la fecha. Estamos ante una película pequeña, simpática pese a no esconder su vena más sensible y sensiblera. Equilibrio de ejercicio histórico y telefilm de calidad, tradición y experimento, Mother of mine nos narra la historia de Eeero, un niño finlandés que, durante la convulsa gran guerra, es enviado a la casa de una familia sueca. Contada a través de un largo flashback, el film nos explica las incertidumbres del pequeño, sus dificultades con la lengua sueca y su relación con sus dos madres: la biológica, viuda e inestable; y la adoptiva, que esconde furias y secretos por cicatrizar. El cuento no admite subtramas y roba sin piedad las lágrimas de los más sensibles. Al final, si se sabe equilibrar la ñoñería con las cualidades del conjunto, podemos extraer una fábula sobre la niñez, una oda a esa generación perdida que, por avatares de los mayores, se conviertieron en hijos sin tierra ni padres. Esta generación, la de nuestros padres y abuelos, recibe un homenaje simpático, un ajuste de cuentas tan estimulante como necesario. De esta forma, Eero, ya mayor, revive sus sentimientos pasados, sus dos casas. El pasado está muy vivo, sigue latente: el recuerdo está filmado en color y el presente en blanco y negro. Todo un atrevimiento estilístico paralelo a una historia conservadora, clasicona, agradable. El pasado sigue muy vivo y necesita supurar (La vida de los otros) y los niños son sus primeras y más inocentes víctimas (Adiós, muchachos).


Sirva la reseña de Mother of mine para destacar la falta de estrenos de películas nominadas al Oscar. Mother of mine se quedó a las puertas, pero el público español puede recuperarla en su edición en dvd. ¿Qué ha sido de Zus & Zo, Tierra de ángeles o Beaufort? Sí se estrenaron Elling, Un hombre sin pasado, Evil y Después de la boda, pero todos estos nombres figuran entre las excepciones más destacables (aun siendo películas que ni crítica ni público recuerda, la mayoría llegadas de la fría Europa). Aunque no es una gran película, choca comprobar la ceguera de la Academia de Hollywood porque Mother of mine es carne de Oscar, algo que no se puede decir de las nominadas más recientes. Pensar en las películas que nos hemos perdido por una (no) nominación asusta. Por ello, ver Mother of mine es una cita ineludible para objetivizar los inespugnables caminos de premios, festivales y demás crítica que nos rodea. Una promesa segura: pasarán una tarde muy agradable.

jueves 12 de noviembre de 2009

LA CRUDA REALIDAD 5'5 / 10

La cruda realidad quiere seguir punto por punto el manual de la comedia perfecta. Sobre el papel, es una película tan sabionda, chulesca y descarada como el personaje de Gerarld Butler, un soltero de oro socarrón, picaflor y de lengua afilada. Como prima el calco al invento, la comedia contraataca con escena beso, escena pelea, escena reconciliación, escena revolcón en el ascensor, escena baile romántico y cuantos lugares comunes puedan imaginarse. Lo sorprendente de esta realidad paralela al buen cine, por muy entretenida que sea, es el histerismo que desprenden sus dos protagonistas. Cuesta creerse a una Katherine Heigl con la vena del cuello a punto de estallar, sobretodo si recordamos las dulces formas de su doctora Izzie televisiva. No hay duda que la nueva ambición rubia se esmera en su segundo papel cómico, pero cae en el histrionismo más descarado y molesto. La exageración, parte imprescindible de pastiches como este, es, a la vez, lo mejor y lo peor de la propuesta porque, aunque Heigl irrite, nos regala una escena bastante lograda: la acidentada cena con las bragas vibradoras mientras la heroína, mujer independiente pero tontorrona (nuevo paradigma de la comedia americana), se revuelca de dolor y de placer entre los dos maromos de la fiesta. He aquí el nuevo detalle que define La cruda realidad: un guión más escatológico de lo habitual, una nueva frivolización de la guerra de sexos que se debate entre el glamour y lo chabacano. Sea como sea, nada que valga los siete euros de la entrada. La descarga, a poder ser en versión original subtitulada, está más que justificada.




La cruda realidad es entetenida, algo evidente e irreprochable. La película, cual droga de efectos pasajeros, ameniza tardes otoñales con la misma eficacia que, por ejemplo, Algo pasa en Las Vegas, La proposición o Shopaholic. La diversión, pese a todo, no tiene nada que ver con la ética. La cruda realidad nos dice que, para ser felices, hay que tener pareja, éxito laboral e imagen física impoluta. El mundo de las apariencias, que da para charlas con mucho jugo, queda resuelta de forma obvia, descafeinada, falsa. El gran problema de La cruda realidad, como ocurre con casi todas las comedias norteamericanas de nuevo estreno, es que no se define ni como película gamberra ni como película totalmente blanca. La cruda realidad se sitúa entre la inocencia de Armas de mujer, clásico de los ochenta (mujeres ejecutivas en contínua guerra), y entre la sorna de algún título Apatow. Situarse en tierra de nadie siempre será recompensado con buenas taquillas, pero con malas críticas. He aquí la realidad más cruda: la película que es y la que pudo ser. E, irónicamente, el film permite que el público se olvide de la realidad y sucumba a la historia de siempre. El cuento de nunca acabar.

miércoles 11 de noviembre de 2009

CELDA 211 7 / 10

Las prisiones agilizan el sistema y hacen invisibles los problemas de toda sociedad. Para el ciudadano de a pié, que nunca se verá involucrado en trifulcas penales, es un alivio pensar que los delincuentes más peligrosos viven entre rejas, aislados de todo y de todos. Pero el sistema no es tan idílico y las barreras entre el bien y el mal son más flexibles y esquivas. Los asesinos merecen pena, pero también son detestables los carceleros abusivos. Al final, la realidad fuera de la prisión puede que no sea la mejor opción, aunque la vida en celdas sea nula, asfixiante. Sobre este mensaje pesimista se asienta una película de género que toca todos los palos: la crítica social, el thriller de acción y el drama carcelario, un subgénero que Monzón adopta de gloriosos títulos americanos (desde La gran evasión hasta Cadena Perpetua). Celda 211 es una película poco complaciente, llena de matices, directa y brutal. Su primera escena ya es toda una declaración de intenciones: la estampa de un preso enfermo que decide cortarse las venas con la afilada punta de un cigarrillo. Monzón obvia cualquier tipo de presentaciones y hace del motín central la razón de ser de su relato. La inteligencia del artista consigue hacer veraz lo que en manos de otros hubiera sido mera caricatura. Es la primera vez que el terrorismo vasco sirve de macguffin para una trama policíaca, sin ínfulas intelectuales ni discursos graves. También es loable la orquestación de un reparto poderoso, mezcla de reos reales y actores espléndidos (la nómina de secundarios contempla nombres como Manuel Morón, Carlos Bardem, Jesús Carroza, Vicente Romero, Marta Etura y David Selvas). Mención especial para Malamadre, un Tosar carnívoro que acaricia a base de puñetazos su tercer Goya. Y Alberto Amnann, el malogrado y novato funcionario de prisiones, es la gran revelación, no solo de la película, sino de todos los títulos españoles estrenados hasta la fecha. Todo huele a sucio. Todo sabe a premio.



Celda 211 es un caso atípico dentro de nuestro cine. No es difícil imaginar una segunda parte (hay dos personajes vivos, dos odios, dos infiltrados traidores y traicionados que deben concluir su última y más sangrienta pelea) o un remake a la americana, como en su día tuvo REC. Si bien es una película tensa y compacta, está lejos de ser un título perfecto. En el recuento de pequeños fallos figura Antonio Resines, un actor que vuelve a hacer el papel de siempre y que desentona ante tanta fuerza y violencia. El alcaide sin credibilidad también protagoniza uno de los momentos más discutibles: la pelea que deja a una embarazada Marta Etura inconsciente en el suelo. Los guionistas, obligados a justificar la evolución psicológica de su protagonista, incluyen un secundario (Etura) totalmente forzado e innecesario. Igual de impostados son los flashbacks que nos recuerdan la idílica vida de la joven pareja. Monzón hubiera podido empezar de forma plácida y acabar en la cima, pero prefiere ir directo al grano y maquillar el conjunto con obvias digresiones. Pese a todo, nada grave, ningún defecto extra respecto a sus émulos yankis.



Algún espectador incauto no dudará en afirmar que lo mejor de Celda 211 es que no parece una película española. La frase precisa matices, pero es cierta. A juzgar por las caras satisfechas que pude registrar tras la salida del cine, no hay duda que Celda 211 gozará de buen boca-oreja y que puede convertirse en un título importante, susceptible a revisiones y premiaciones varias. El Malamadre de Tosar tiene la fuerza y la personalidad suficiente para hacer historia, algo que no es muy habitual en el cine patrio. A falta de que se estrenen El baile de la victoria, Spanish Movie y Planet 51, parece que el público empieza a reconciliarse con el cine español (y, de paso, salvar sus números rojos). El colectivo parece dar la razón al camino que ha seguido Monzón y el resultado, pese a no ser redondo, es competente. No se la pierdan.



martes 10 de noviembre de 2009

JULIE & JULIA 6 / 10

'Agradable' es la palabra que mejor define a Julie & Julia, un título con buen corazón, mejores intenciones y óptimo resultado. Ya desde su título, la película nos propone un juego, un dúo de heroínas atípicas en dos épocas no menos diferentes. No hay nada trascendental porque la película de Ephron quiere ser un divertimento maduro pero no concienzudo, un pasatiempo de fin de semana bien realizado, bien escrito y mejor interpretado por dos actrices en estado de gracia. Julie & Julia es todo un gancho para el público femenino: aúna el biopic serio con la comedia más dulzona, una actriz de autoridad irreprochable y un rostro en alza que nos está regalando magníficos trabajos (cómo no, la fuerte simbiosis entre Streep y Adams). No hay que ser demasiado cinéfilo para reprochar más azúcar de lo normal y algún que otro minuto de más, pero el conjunto tiene su morbo, su vicio, su magia. Hay momentos para chuparse los dedos: Streep cortando una ingente cantidad de cebolla ante un público atónito, una Adams en pelea con una langosta muy viva o el retrato de una bloggera histérica al más puro estilo Bridget Jones. Al otro lado de la balanza están las sobras: el biopic peca de alargado, hay escenas mal resueltas (el interrogatorio del marido de Julia, el capítulo donde aparece la alta hermana de Streep) y capítulos casi insoportables (una Adams abatida para, minutos más tarde, comprobar que su contestador tiene sesenta y cinco mensajes de apoyo: ¿se pueden tener unas amigas más insoportables?). Sea como sea, Julie & Julia tiene un glamour que nos gusta. Abre el apetito: ello es más que suficiente. Ni qué decir que, desde ya, es nuestra película chorra favorita de este 2009.



Parece que Streep le ha cogido el gusto a la comedia. Sus muecas son suficientes para elevar este plato precalentado en un manjar para gourmets exigentes. Ya pasó lo mismo con El diablo viste de Prada y Mamma Mia!, con lo que nos alegramos que Streep se tome con humor el nuevo rumbo que está tomando su carrera. La hipérbole streepiana no molesta porque Julie & Julia es igual de forzada y exagerada, un chicle rosa que, pese a sus dos de duración, no pierde el gusto. Nos reconforta que la película sea aquéllo que esperábamos de ella. No hay nada como una pelea y su posterior reconciliación, una comedia desquiciada y su final feliz... en definitiva, la historia de siempre. Pone los pelos de punto pensar que Stanley Tucci y Meryl Streep, pareja en esta ficción culinaria, pueden acabar el 2010 con un Oscar (ella por su tour de force como escritora y cocinera, él por su psicópata en Desde el cielo). Nos gustan las coincidencias, las fábulas, las buenas comidas y los blogs con jugo. Julie & Julia es la mejor aspirina para un otoño cinematográficamente movido, a ratos constipado (tener que aguantar 2012 agobia con solo pensarlo). Parafraseando nuestras Julias: ¡bon appétit!



domingo 8 de noviembre de 2009

LA PELÍCULA DE LA DÉCADA XXVII: SEMIFINAL 3

ADAPTATION: EL LADRÓN DE ORQUÍDEAS, de Spike Jonze
Dijeron de ella: ¡La película más brillante que explora el proceso creativo!
Comentario personal: Marihuana, un buscador de flores imposibles, una escritora con adicciones y depresiones... es Spike Jonze al cuadrado. Impecable.
Nota Film.: 7'1
Nota IMBD: 7'9
Nota personal: 8









BUSCANDO A NEMO, de Andrew Stanton y Lee Unkrich
Dijeron de ella: No es una película, es un milagro.
Comentario personal: Buscando a Nemo nos encontramos una obra para el recuerdo, una road movie aquática que perdurará.
Nota Film.: 7'5
Nota IMBD: 8'2
Nota personal: 8










BIENVENIDOS A BELLEVILLE, de Sylvain Chomet
Dijeron de ella: Llena de frescura, destaca por su originalidad y la sofisticación de los dibujos.
Comentario personal: Animación retro en una entrañable historia sobre sueños y bicicletas. Adorable.
Nota Film.: 7'5
Nota IMBD: 7'7
Nota personal: 7











CHICAGO, de Rob Marshall
Dijeron de ella: Una preciosa mezcla de comedia negra y drama carcelario, con momentos y rasgos de thriller y de película judicial. Explosivo cóctel de géneros.
Comentario personal: All that jazz. Con ritmo y gancho. El mejor musical de la década. Algunos la odian; servidor la ama.
Nota Film.: 6'7
Nota IMBD: 7'3
Nota personal: 9'5








DOGVILLE, de Lars Von Trier
Dijeron de ella: Un hermoso poema moral, un nutritivo resumen de la historia de cualquier mundo y un enriquecedor paseo por los interiores del ser humano.
Comentario personal: This is the sad story of Dogville. Posiblemente, la mejor película del 2003. Y de Lars Von Trier. Imposible de olvidar.
Nota Film.: 7'5
Nota IMBD: 7'9
Nota personal: 10








ELEPHANT, de Gus Van Sant
Dijeron de ella: Obra honda, recia y difícil de ver porque carece de precedentes. Cine recién inventado, que mira hacia adelante.
Comentario personal: Enigmática y polémica reinterpretación de la matanza de Columbine. Ganó en Cannes. Un elefante muy grande.
Nota Film.: 6'4
Nota IMBD: 7'3
Nota personal: 9'5









EN UN LUGAR DE ÁFRICA, de Coraline Link
Dijeron de ella: Magnífica obra, justo Oscar mejor película de habla no inglesa.
Comentario personal: Academicista historia, a medio camino entre África y Europa. Pulcra, bien realizada, agradable. Nota Film.: 6'9
Nota IMBD: 7'8
Nota personal: 6











LAS HORAS (THE HOURS), de Stephen Daldry
Dijeron de ella: Una película pausada y emotiva que se ve en estado de semitrance, entre la admiración y la congoja.
Comentario personal: Lírica a tres bandas. El melodrama sigue en plena forma con este clásico pasado, presente y futuro.
Nota Film.: 7'2
Nota IMBD: 7'6
Nota personal: 9'5











MYSTIC RIVER, de Clint Eastwood
Dijeron de ella: Película libre y hermosa, una obra maestra, una cumbre.
Comentario personal: Tragedia americana que fluye como las aguas de un río metafórico. Un peplum de emociones.
Nota Film.: 8
Nota IMBD: 8
Nota personal: 10











PIRATAS DEL CARIBE, de Gore Verbinski
Dijeron de ella: Una superproducción comercial que da lo que los fans buscan: humor, acción, emociones y personajes carismáticos.
Comentario personal: Espectáculo palomitero, mezcla noble de fantasía y pirateo. Depp dibujaba un personaje para la historia.
Nota Film.: 7'2
Nota IMBD: 8
Nota personal: 6







Hemos vivido una semana muy intensa. Me alegra comprobar que muchos bloggeros han visitado el blog para saber cómo iban los resultados. Ello demuestra que La película de la década interesa, y más llegados a este punto tan decisivo. Las seleccionadas del 2001 eran todas películas muy populares, de aquí que todas hayan superado el umbral de los 10 votos. Amélie, como demuestra la foto, se ha pasado toda la semana llorando y mordiéndose las uñas. Siempre hubo un empate técnico de 3 película... y la cosa ha quedado así (para ver el ranking completo: margen derecho del blog):


5º POSICIÓN: MEMENTO con 36 votos. La película de Nolan entusiasma. Durante los primeros días tuvo mucha fuerza, pero poco a poco se ha ido deshinchando. No pasa a la final, pero demuestra ser un clásico de suma importancia.

4º POSICIÓN: BILLY ELLIOT con 37 votos. Un voto más que Memento y la remontada más sorprendente de La película de la década. Es increíble: el baile de este adolescente lo ha llevado muy cerca de la final. Pese a todo, aquí acaba su musical.

Y la emoción final...
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3º POSICIÓN: AMORES PERROS con 43 votos. El pulso ha sido increíble. Una obra maestra que ha perdido en el último segundo.



Y nuestras seleccionadas:


2º POSICIÓN: AMÉLIE con 44 votos. Un solo voto ha desequilibrado la balanza. El blog ya avisó... Pasa a la final.

Y para vosotros la MEJOR PELÍCULA DEL 2001 ES:

1.¡LOS OTROS! con 48 votos. Muchas felicidades a estos muertos que, ocho años después, se resisten a morir.



Y para finalizar, EL GRÁFICO DE LA SEMANA:

MYSTIC RIVER: 8'67
DOGVILLE: 8'47
LAS HORAS: 8'1
BUSCANDO A NEMO: 7'9
CHICAGO: 7'83
ELEPHANT: 7'73
ADAPTATION: 7'67
BIENVENIDOS A BELLEVILLE: 7'4
PIRATAS DEL CARIBE: 7'07

EN UN LUGAR DE ÁFRICA: 6'9


¿Algún favorito? ¿Impresiones de las PRIMERAS FINALISTAS? La semana que viene, más.